Бесплатный фрагмент - Искусство. Современное

Современное искусство австралийских аборигенов и Африки

Введение

Аборигены существовали на континенте Австралия на протяжении десятков тысячелетий. Их искусство и традиции — среди самых древнейших и богатейших в человеческой истории. Рассказывать истории, применять изощрённые рисунки, узоры, зашифрованные орнаменты туземцы-австралийцы научились у предков, трансформировали, повторяли их посредством ритуала, танца, песнопений, живописания на теле, наскальных изображений и картинах, изображений на домашних и ритуальных предметах. Искусство аборигенов живёт и сегодня, как тысячи лет назад. Как и в далёком прошлом, их искусство неотделимо от повседневной жизни.

Искусство современных туземцев-австралийцев существует в многочисленных формах. Несмотря на значительные изменения и разнообразие, оно сохраняет и подчёркивает единство источников вдохновения творцов — родная земля и взаимоотношения обитающих на ней людей. В этом одновременно ощущается и связь с прошлым, и ангажированность с настоящим, с вовлечением в окружающий мир через действия — живые, позитивные, политические, социальные и творческие.

Ещё в ХУШ столетии разработали серию позиций, посредством которых можно рассматривать «африканское искусство» в рамках терминов «фетиш-идолопоклонство-примитив», отождествляемых с предметами. Это провоцировало страх и ужас и не могло быть ни прекрасным, ни возвышенным. С тех пор именно на такую «фетишистскую» африканскость ориентируется современное искусство Африки, приспосабливая её к тому, что Запад мог бы назвать «африканским» искусством. Современное африканское искусство требует идентичности и обращается к острым темам континента: геноцид, спид, эпидемии, политическая борьба, репрессии против мигрантов. Однако требование африканской идентичности содержит парадокс. Чтобы получить признание на Западе, художники должны учитывать «условия», навязываемые контекстом глобализации и использовать международные специфические коды для продвижения своего искусства. Своеобразие современного африканского искусства — в его мультикультурализме, способности говорить на другом языке, который становится подлинно «африканским». В наши дни идентичность современного африканского искусства проявляется, как в глобалистских его свойствах, так и в гибридизации и смешении языков.

Хотя прошло почти 30 лет с выставки «Волшебники земли"под кураторством Жана-Юбера Мартена в 1989-м в Центре Помпиду, в Париже, cегодня вновь говорят о современном африканском искусстве как восходящем феномене, переживающем большой расцвет. Речь идёт об искусстве художников, работающих с конца 1980-х, рождённых на континенте, имеющих мастерские на Западе или западно-африканских художниках второго поколения. Они размышляют о социальных проблемах, динамичных отношениях между страной рождения и Западом, предпочитают большие форматы, определённое упрощение языков, средств выражения, сведённых до примитивистского знака, используют цветные материалы из промышленной сферы.

Большие изменения произошли и на художественном рынке. С 2010-го до 2015-го продажи современного африканского искусства на первичном и вторичном рынке возросли на 200%. В 2015-м работа Жюли Мерету была продана на аукционе Кристи за рекордную сумму — 3,5 млн долларов. До недавнего времени современное африканское искусство можно было увидеть только в музеях Лондона и Нью-Йорка, на международных биеннале в Касселе, Венеции и Дакара, благодаря работе интернациональных кураторов Харальда Зеемана, Катрин Давид, Оквуи Энвезора. Сегодня ситуация меняется, появляются новые покупатели на континенте, много молодых коллекционеров, интересующихся современным африканским искусством. В Южной Африке возникли новые аукционные дома Strauss и Arthouse. Всё более востребованными становятся произведения Аттиа Кадера, Чери Самба, Мешака Габы, Йинка Шонибаре, Сиприана Токудагба…

Искусство аборигенов Австралии

Поразительная художественная продукция австралийских аборигенов была неизвестна на Западе вплоть до 1970-х. В течение десятилетия искусство аборигенов преодолело границы этнического или примитивного способа выражения, чтобы занять достойное место среди современных художественных движений, появилось в престижных музеях и галереях мира. В сообществе аборигенов, живущих в центре западной австралийской пустыни, началось беспрецедентное возрождение искусства. Возникли разные группы художников-аборигенов, использующих современные техники, как для интерпретации традиционных и религиозных мотивов их культуры, так и для отображения актуальных современных тем.

Вскоре всплеск художественного творчества туземцев обнаружили в самых разных регионах Австралии: сообщество аборигенов города Новый Галь на юге, провинция Виктория, Квинсленд, Западная Австралия (кланы коори, миррие, ньонга) … Такая художественная деятельность сыграла важнейшую роль в осознании аборигенами своих прав в их требовании получить политический и социальный статус в решении различных проблем внутри австралийского сообщества. В искусстве аборигенов выдвижение таких требований своеобразно сочетается с проявлением обостренной духовности и привязанности к своей земле.

В наши дни аборигены свободно перемещаются по континенту. Даже, если отличительные особенности их художественной продукции обусловлены корнями, традициями, связанными с их географическим происхождением и определяются культурой, индивидуальными особенностями конкретного художника, проекты, темы, идеи постоянно смешиваются. Большая часть продукции, определяемой как «традиционное искусство аборигенов», создана в сообществах, удаленных друг от друга на сотни километров.

Австралийские художники-аборигены используют разнообразные средства, включая живопись на коре, листьях, резьбу по дереву, наскальные изображения, живопись с использованием песка, церемониальные одеяния, декорирование разных инструментов. В культуре аборигенов искусство — один из ключевых ритуалов и используется, чтобы пометить территорию, напоминать о прошлом, рассказывать истории про незапамятные времена. Аборигены верили, что их мир возник в результате акта творения. Тем, кто не является аборигенами, трудно понять исключительную важность искусства для их жизни.

Исследователь культуры аборигенов Говард Морфи писал: «Искусство было и остаётся центральным компонентом традиционного способа жизни йёлигу, имеет большое значение и в политической сфере, и в отношениях между кланами, является действенным компонентом системы жёстко обозначенного знания. А на более метафизическом уровне искусство для аборигенов является главным средством для воссоздания событий прошлого, почитания предков и общения с миром духов».

История искусства аборигенов насчитывает 50 тыс. лет, о чём свидетельствуют древние рисунки на коре, обнаруженные в самых удаленных регионах Австралии, созданные задолго до появления наскальных рисунков в пещерах Ляско и Альтамиры. Изначально функция и ценность искусства аборигенов имели священный характер и отражали эмоциональные, политические и даже практические аспекты жизни первых поселенцев на континенте. В наши дни, хотя искусство аборигенов и утратило присущую прошлому периоду сакральную природу и приспособилось к требованиям интернациональной публики, тем не менее и современная художественная продукция аборигенов по-прежнему имеет корни в древнем мистическом восприятии мира.

В культуре аборигенов важную роль играет концепция «сновидений», обращающая не только к мифам творения, но также к пейзажу, с которым аборигены тесно связаны. Кроме того, согласно их тотемическим верованиям, духи предков продолжают жить среди людей и сегодня. И от духов предков зависит социальная идентичность и духовная ответственность аборигенов. Поэтому сновидения обеспечивают связь с прошлым, с самим временем, с источником первичного знания.

Неудивительно, что сновидения образуют контекст и сюжет большинства произведений художников-аборигенов. На многих символических предметах, оружии изображены рисунки, иллюстрирующие мифы, связанные со сновидениями, подчеркивающие их сакральный характер. Резьба на камне, картина на коре или земле свидетельствуют, что такое творчество само по себе является ритуальным актом.

Живопись на коре дерева — самая распространенная форма искусства у аборигенов. Кора, используемая в древности для строительства жилищ, часто украшенная символами и мотивами, снятая с эвкалиптов — гибкий, гладкий материал, в то же время прочный. Стиль рисунков варьируется в разных зонах Австралии. В некоторых регионах рисунки воплощают фигуративную тенденцию, как в окрестностях, недалеко от города Оэнпелли, на западе от Земли Арнхема. А на востоке, как в окрестностях Йиркала, в рисунках появляются более абстрактные и геометрические мотивы. Рисунки на коре на острове Гроот Эйландт, наоборот, отличаются красивой глубиной черного фона, на котором и появляются изображения.

Альберт Наматьира и интеграция

Появление первых белых колонизаторов два столетия назад обозначило новую эру для искусства аборигенов, ибо оно вступило в контакт с абсолютно чуждой культурой. Колонизаторы старались навязать туземцам европейскую традицию, оказывая большое влияние на художественные круги. В конце Х1Х века Уильям Барон и Томми Макрэ начали использовать ввезенные колонизаторами материалы (бумага, ручка, карандаши) и стали представителями в Австралии фигуративной западной традиции, создавая любопытные изображения сцен из жизни аборигенов, предназначенные для английской публики.

В начале ХХ столетия строительство железной дороги сделало доступными и центральные земли пустыни, где были основаны многочисленные миссионерские поселения. В 1930-м в Лютеранском центре, недалеко от города Элис, появился художник европейского происхождения Рекс Баттерби, познакомивший местное население с техникой акварельной живописи. Самый талантливый его ученик — Альберт Наматьира. В 1938-м состоялась первая персональная выставка этого художника-аборигена, получившего признание. Несмотря на успех у публики, его произведения квалифицировались как упрощенный вариант западной традиции, как демонстрирование отличной техники. Сегодня искусство Наматьиры оценивается, согласно критериям современного искусства аборигенов. Специалисты вовсе не считают, что его выбор сюжетов навязан канонами европейской красоты.

Традиции туземного искусства. Тёмная живопись. Наскальная живопись. Живопись на коре

Возможно, тёмная живопись — одна из самых ранних форм туземного искусства, которая все еще процветает. Например, люди клана йолнгу, Земли Арнхем покрывают тела специальными рисунками для церемоний или традиционных танцев. Подготовка может занять много времени, приглашают самых изощренных художников. Нарисованные на теле рисунки — традиционные, часто с перекрёстными линиями или пунктуацией, принадлежавшие клану человека, которого расписывали. Художники, авторы картин на коре, в своих рисунках вдохновляются телесной живописью.

Туземное искусство включает широкий круг стилей наскальной живописи. — Искусство «рентгеновских лучей» Земли Арнхем и районов Какаду Северной территории. На наскальных рисунках изображены скелеты и внутренности животных и фигуры людей, очерченных контуром. — «Точечная» живопись, где в рисунках появляются запутанные, замысловатые схемы, орнаменты, тотемы и истории, сотворённые с использованием точек. — Искусство узоров по трафарету, особенно с использованием отпечатка руки. Встречаются и более простые рисунки из прямых линий, кругов, спиралей. Особый тип живописного стиля аборигенов, известный как «брэдшоус» (появляется в пещерах в регионе Кимберли в Западной Австралии), назван по имени европейского пастора Брэдшоу, который первым написал репортаж о произведениях художников этого стиля в 1981-м. Наскальное искусство аборигенов дает представление о социальной активности, материальной культуре, экономике, изменении энвайронмента, мифах и религии.

Картины на коре сделаны туземными художниками на кусочках коры, снятой с деревьев, имеющих волокнистую структуру. Как правило, на картинах на коре появляются традиционные рисунки, принадлежащие художнику или членам его клана. Другие художники не имеют права их изображать. Если сами рисунки уходят корнями в глубокую древность, то воплощенные на куске коры сюжеты, их значение — относительно современный феномен.

Иконография и символы. Их значение

В разных священных местах в наскальной и пещерной живописи можно обнаружить использование в образной системе культуры аборигенов ограниченных цветовых сочетаний (применяются краски, характерные для тех регионов, например, охристые). Применялись и другие красящие пигменты — глина, зола, пепел от деревьев или кровь животных. В некоторых видах наскальной живописи существовали варианты символических изображений, в зависимости от племени, которому они принадлежат или региона Австралии.

Любопытно, что и в произведениях современных художников всё ещё проявляются такие характерные особенности. Пятнистые, точечные мотивы в рисунках, работах художников-аборигенов в наши дни стали торговой маркой современного движения художников-аборигенов, обращающихся к истории древней земли, наполнявших свои произведения сказочными историями пустыни, взывая к духам, древним обществам.

В самом движении современного искусства австралийских аборигенов определенная символика имеет одинаковое значение в разных регионах, хотя смысл тех же символов может изменяться внутри контекста всей живописи. В монохромном виде разные символы могут выглядеть одинаково как круги в кругах. Когда же этот символ используется в клане аборигенов, к которому принадлежит художник, символ может изменять свое значение: костёр, дерево, гора, пещера, даже весна. В дальнейшем значение символа можно понять благодаря использованию цвета: вода всегда изображается синим или черным. Часто на картинах художников-аборигенов «сказочные истории» показываются с высоты птичьего полета. Обычно это рассказ про сотворение Земли древними существами во время их путешествия или в процессе акта Творения.

В наши дни художники-аборигены дают новую интерпретацию старинных песнопений, церемоний, изображений наскального, телесного искусства, которые на протяжении тысячелетий считались нормой.

Каким бы ни было значение символов, интерпретировать их следует в контексте культурных, религиозных воззрений, системы образности, присущих региону, из которого происходит художник-абориген, анализируя рассказанную в картине историю, стиль художника.

Культура и традиции австралийских аборигенов развивались на протяжении нескольких тысячелетий. И символы в их искусстве являются продолжением этой традиции и не отличаются от наскальных изображений и росписей в пещерах, созданных аборигенами в последние столетия. Традиционно эти символы использовались в изображениях на песке и татуировках на теле во время церемоний и корроборис, народного танца аборигенов-австралийцев. Причем в каждом регионе Австралии символы имеют свои особенности. В арт-символах Северного Квинсленда доминировали образы речного берега в специфическом стиле «перекрестных линий» или «рентгеновских лучей», характерном именно для уроженцев этих мест.

Аборигены Центральной Австралии в своем творчестве делали акцент на «песочных» или «точечных» картинах, передающих образ пустыни. Австралийские аборигены верили в магическую силу «сновидения» или акта творения окружающего мира под названием Тьюкуррпа. Эта культура развивалась, когда предки аборигенов заселили сельскую местность Австралии. Особое значение они придавали источникам, рекам, горам и скальным образованиям. Отношения аборигенов с природой, отождествление с ней, особенно с землей, космосом и морем, было глубоким и исключительно духовным.

Современное искусство аборигенов основывается на этих древних и традиционных символах, художники-аборигены создают из них очень простые конфигурации, схемы, наполненные глубоким значением. Такие символы применяются и в татуировках для церемоний и наносятся на предметы, оружие и другие вещи, используемые аборигенами, убежденными в огромной власти над людьми художественных символов. Такое ритуальное значение символов прослеживается у нескольких поколений художников и духовных лидеров аборигенов.

Традиционная связь со сновидениями всё еще имеет важное значение в произведениях художников-аборигенов. Хотя основная концепция арт-символов достаточно упрощенная, аборигены активно используют её, чтобы создавать одухотворенные и прихотливые конфигурации, в которых зашифрованы сложные истории. Знак V — арт-символ, обозначающий мужчину аборигена. Если символ V сопровождается кругом или несколькими концентрическими кругами, это указывает на мужчину, сидящего возле источника. Спиралевидные линии — символическое изображение текущей воды, они рассказывают про власть мужчины аборигена. Это история про водоноса, использующего свою прирожденную способность вызывать дождь. Каждый дополнительный символ придает еще большую силу и значение картине.

Точка, пятно — один из основных символов у художников Западной пустыни и Центральной Австралии, придающие их картинам такое своеобразие. Точки, пятна могут обозначать звезды, искры от костра, землю. Современные художники-аборигены утверждают, что обычные зрители могут увидеть в картинах лишь внешние признаки интерпретации истории. Только знатоки истинного значения символов способны понять внутреннюю, таинственную историю картин. Но в наши дни художники-аборигены часто используют точечную пунктуацию, пятна, чтобы затемнить или зашифровать смысл символов в их картинах.

Религиозные и культурные аспекты искусства аборигенов

Традиционное искусство аборигенов почти всегда имеет мифологический оттенок, связанный с их жизнью в глубокой древности. Многие современные арт критики Запада полагают, что если в таком искусстве не прослеживается духовность аборигенов, его нельзя считать подлинным туземным искусством. С подобным мнением абсолютно не согласен Вентен Рубунтья, художник-абориген, пейзажист, полагающий, что трудно найти какое-либо искусство, лишенное духовного значения. Рассказывание историй и тотемные изображения встречаются во всех формах искусства аборигенов. Причем существует и часто используется и специфическая женская форма искусства аборигенов — в регионе Земля Арнхем.

В течение длительного времени фигуративное искусство аборигенов ограничивалось украшением тела грубыми надписями и картинками на коре деревьев, прежде всего ритуального характера. Работы на коре рассказывают про легенды Тьюкуррпа, слово, которое можно перевести как древнее «сновидческое состояние», относящееся к эпохе творения, когда духи предков обозначили профиль земли и породили жизнь. Само название указывает на то, что акт художественного творчества понимается как состояние сна, а художественные продукты называются «сновидениями».

В конце 1960-х аборигены добились первых успехов в борьбе за удовлетворение их требований о признании гражданских прав. Они, наконец, получили право голосования, впервые их признали австралийскими гражданами. Были сформированы учреждения по защите их культурных традиций. Именно в рамках таких социальных программ помощь и поддержку получила художественная деятельность в разных сообществах аборигенов.

В конце 1970-х обозначились изменения на арт-рынке, связанные с коммерциализацией художественной продукции аборигенов. В Земле Арнхем, самой северной части региона Севера Австралии, развивались разные сообщества художников-аборигенов, сконцентрированные главным образом в городах Йиркала, Рамингингинг и Маниагрида. Министерство по культуре и искусству аборигенов организовало разные выставки, а поддержка правительства стимулировала рост интереса к их искусству.

Одновременно и в сообществах Западной Австралии появились произведения в своеобразном «вибрирующем» стиле. Их авторы начали использовать разные материалы. Традиционные изображения на коре заменили деревянные доски, куски линолеума и холста.

Уже в начале 1980-х картины на коре, скульптуры, расписанные ткани и другие художественные продукты включались в разные манифестации искусства в Австралии и других частях мира. В 1988-м национальные и международные манифестации, организованные по случаю 200-летия европейской колонизации Австралии, выявили силу и мощь культуры аборигенов и ее влияние на многочисленную художественную продукцию во всей Австралии. В галерее «Общество Азии» в Нью-Йорке в 1988-м организовали большую выставку искусства аборигенов под названием «Сновидения». В 1989-м в галерее Вебер в Нью-Йорке проходила выставка «Художники пустыни».

Искусство и художники Папуни

В произведениях художников Папуни 1970—1971-х, свежих и вдохновенных, прослеживается неограниченное использование ярких цветов. В ранний период художники Папуни, главным образом пожилые мужчины, работали быстро, используя любой подручный материал: листы газет, коробки от фруктов. Их картины обретали особое звучание из осознания, что благодаря формированию поселения, их культура была уничтожена и что в следующем поколении традиционные мифологические представления будут утрачены. С того периода многие экспериментальные схемы, структуры, орнаменты и мотивы в этих картинах больше не повторялись.

Простота технического и композиционного исполнения прослеживается в картине «Мерцающие ночью звезды» (1972) Тутамы Тьяпангати. Черные круги разных размеров, акцентированные белыми пятнами, разбросанные на красном охристом фоне, намекают на ослепительную красоту пустынного ночного неба. И другие ранние работы художников-аборигенов обладают свежестью и непосредственностью, присущим рисункам детей.

В конце 1972-го стиль картин художников Папуни изменился. Сначала они писали только для себя, но поскольку картины стали продаваться за пределами Папуни, некоторые аборигены стремились сохранить тайные культурные ритуалы и священные места. И церемониальные обряды и образы изображались в новых художественных формах. Это обнаружилось в 1974-м, когда группа аборигенов забросала камнями выставку произведений художников Папуни в Элис Спрингс в знак протеста. Чтобы не раскрывать тайные знания, художники Папуни начали писать в более живописном стиле, покрывая холсты слоями, потоками пятен, чтобы замаскировать те части их творений, которые включали изображения религиозных ритуалов. Мастером такой техники был Джонни Варунгула Тьюпуррула (1920—2001). Его технику наложения пятен поверх живописного слоя заимствовали и развили многие художники Папуни. К 1975-му эта техника стала одним из определяющих свойств австралийского искусства Западной пустыни.

Один из самых оригинальных художников Папуни — Апатьяри Тьякамарра (1930—92) из клана Пинтупи, мало контактировавший с европейцами до присоединения к поселению в 1966-м. Его ранние работы («Спящая сумчатая крыса», 1973) — пример геометрической иконографии, типичной для многих картин художников-аборигенов. «Спящая сумчатая крыса» написана на доске необычной прямоугольной формы. Композиция состоит из простых геометрических элементов с девятью черными прямоугольниками разных размеров, свободно расположенных на поверхности картины. В центре главный прямоугольник разделен на 48 прямоугольников, пересекающихся белыми линиями, ведущими к центральной точке. Сложный образ с необычными орнаментами рождает не только напряжение, но и гармонию. Центральный прямоугольник на картине, согласно Апатьяри, является лагерем сумчатой крысы, окружающие прямоугольники — норы. Его картина — воплощение некой идеи, иллюстрирующей одну из историй, погружающую в духовный мир аборигенов.

Тим Леури Тьявалтьярри (1929—1984) получил известность резными изображениями на дереве гиен и змей. Его картина «Дикий спящий обманщик» (1976) — пример гармоничных рисунков с симметричной композицией, созданных художниками языковой группы Анматьер, к которой он принадлежал. Он использовал повторяющиеся белые и желтые концентрические круги, «плавающие» на черном фоне, с проступающими крошечными красными и белыми точками, чтобы создать странный футуристический образ.

Тим Леури вместе с братом Клиффордом Поссумом Тьявалтьярри написал большую картину «Warlugulong» (1980). Сначала братья были рабочими на скотоводческой ферме, что дало им возможность познакомиться с традициями аборигенов. До приезда в Папуню Поссум считал себя художником и создавал резные деревянные изделия для рынка. Он отказался учиться живописи в европейском стиле. «Warlugulong», историческая картина на холсте, обращает к мифу аборигенов о старой сине-языковой ящерице-мужчине, которая случайно убивает своих сыновей. Эта работа знаменует обращение художников Папуни к крупным холстам и считается одним из шедевров арт-движения Папуни за его нарративную сложность и визуальную прихотливость. Картина выставлялась в галерее MSW на выставке «Австралийские перспективы» в 1981-м вместе с другими работами австралийских аборигенов. Затем галерея ее купила. Это одна из первых картин современных художников-аборигенов, приобретенных учреждением искусства, принадлежавшим государству.

Другой крупный художник Папуни-Тулы, Мик Намарари Тьяпалтьяри (1926—1998), — автор точечных картин, в 1990-е создававший минималистские и абстрактные работы. Символы и знаки ранних работ он переделывал и повторял в поздних произведениях. «Без названия» (середина 1970-х) — пример живописной точечной техники. Утонченные пятна цвета накладывались друг на друга, образуя живописные слои жёлтых тонов с бледными пятнами, точками, чтобы создать деликатный, мягко смодулированный образ страны горных песков, место его рождения.

Художественная продукция Папуни быстро получила большое признание, ценность работ художников всё более возрастала. Картина «Сновидение про воду в Калипини» Джонни Варангнула дважды продавалась за рекордную цену. Галерея в Элис Спрингс, занимающаяся продажей произведений художников Папуни, имеет контакты с институтами искусства Лондона, Парижа, Франкфурта, Лос-Анджелеса, устраивает там выставки. Успех художников Папуни стал моделью для других сообществ художников.

Другие центры художественного производства

Члены сообщества Юэндуму, в 120 км от Папуни, занялись художественным творчеством в 1980-е. Большинство произведений создавали женщины. Большой интерес к их искусству проявляли антропологи, лингвисты, европейские преподаватели искусства. Юэндумские художницы писали на очень небольших холстах. И мужчины быстро приобщились к живописанию, сначала расписали школу, затем стали писать на холстах и столах. В 1985-м они создали общество художников Юэндуму для продажи произведений.

В начале 1980-х в самой удаленной зоне, на границе западной пустыни, сообщество аборигенов Бальго Халс образовало другое живописное движение, в произведениях членов которого христианские темы смешивались с традицией аборигенов и изображениями разных стадий сна. Характерные особенности живописных работ художников Бальго — использование крошечных пятен и применение особой сверкающей цветовой гаммы — пурпурные, розовые, оранжевые, голубые тона.

Сообщество Лайаману, на противоположной стороне границы Западной пустыни, — одно из самых изолированных поселений Австралии. Главным препятствием развития местного живописного стиля оказалось вовсе не неблагополучное расположение, а протест пожилых людей сообщества. Когда их противодействие уменьшилось, Лайаману трансформировался в важный художественный центр, где появились любопытные произведения с использованием арабесок и ограниченной цветовой гаммы: белый, черный, бутылочный.

Охристые картины сообщества Вармун Тюрки Грик в восточном Кимберли стали знаменитыми благодаря участию художников Квини Маккензи, Фредди Тимса, Ровери Томаса в Венецианской Биеннале (1991).

Крошечное сообщество аборигенов Нгукур, на южной границе Земли Арнхем выделяется среди других художественных центров региона тем, что художники Нгукура не следуют традиции живописания на коре деревьев, а пишут акриловыми красками на холсте. Вилли Гудьипи концентрируется на изображении посвящений и священных ритуалов. Он пишет оружие, инструменты предков — некие гибриды людей с животными и разные типы флоры.

Картины на коре художников Земли Арнхем

Земля Арнхем — обширный регион Австралии на побережье территории Севера с очень плодоносными долинами. В ее густых лесах обитают австралийские журавли, другие океанические птицы. А в долинах, согласно «сказочным историям» аборигенов, появляются прекрасные нимфы. Замысловатые тотемические рисунки с перекрестными линиями встречаются на картинах на коре художников этого региона и на татуировках на груди танцоров на церемониальных ритуалах.

Жители зоны, члены клана йолгну, обладают древнейшим культурным наследием, состоящим из песнопений и картин, рассказывающих о прибытии их предков с моря. В их творчестве прослеживается и влияние индонезийской культуры. В действительности, согласно легендам, рыбаки Макассара появились на побережье Земли Арнхем почти за 400 дет до прихода европейцев, построили деревни, вместе с аборигенами собирали улиток и трепангов. Существовала традиция помещения костей умершего внутрь ритуальных столбов с отверстиями, расписанных в духе наскальной живописи с мифологическими мотивами. Согласно традиционным верованиям, побережье населено множеством духов. Благожелательные духи обучают аборигенов охотиться и жить в гармонии с природой, их часто изображают на коре. Но имеются и другие духи, зловредные, устрашающие фигуры, также написанные на коре, являющиеся творческим импульсом, стимулирующим воображение художников.

Нгальод, змей-радуга, возникающий на небе после грозы, согласно верованиям аборигенов Гунвингу, сердится и выступает против тех, кто его обидел. Змея-радуга — важнейшая фигура во многих ритуальных церемониях, поэтому его часто изображают на коре. Традиционное захоронение в пещерных желобах всё ещё практикуется в западных регионах Земли Арнхем. Кроме того, создавались ритуальные скульптуры с изрезанными желобами, великолепно расписанные тотемическими мотивами. Зрелищная серия подобных скульптур была расписана в 1988-м для австралийской Национальной галереи в Канберре, где они постоянно экспонируются. Серию скульптур сделала группа художников из центральных регионов Земли Арнхем. Это 200 погребальных колод, которые чтут память о погибших людях из разных племен, языковых групп, умерших в течение 200 лет европейского доминирования.

Картины аборигенов Западной пустыни

Сообщества аборигенов, живущих в пустыне, сильно различаются между собой, с точки зрения культуры и языков. Их объединяет традиция песнопений, преодолевающих территориальные, племенные границы и рассказывающих о путешествиях духов предков. В этих зонах вера в Тьюкуррпа, главного духа предков, пронизывает каждый аспект жизни. Одна из таких историй «Семь сестер» обычно воспевается в песнопениях во время церемонии инма, продолжающейся всю ночь, во время которой рассказывалось о приключениях семи молодых женщин, преследуемых по всей Австралии убийцей по имени Вати Ниру. Чтобы приблизиться к ним, он прибегает к разным превращениям, например, в дерево или птицу. Когда женщины скрываются в пещере, Вати Ниру появляется у входа, но женщинам удается убежать через подземный переход. Однако преследование возобновляется, гнев Вати Ниру возрастает до такой степени, что он решает наслать болезнь на одну из сестер с помощью чар. Когда девушка умирает, другие сестры поднимают её к небу и трансформируются в звезды. Вот почему ночью на небе виднеются семь звёзд-сестер, преследуемых Вати Ниру. Это лишь один из австралийских вариантов мифа о Плеядах и Орионе.

Папуня Тула. Рождение современного искусства австралийских аборигенов

Художественное движение Папуня Тула, с его мифами предков, сказочными историями и уникальной системой образности, родилось в начале 1970-х в условиях расистского давления, отчаяния и нищеты обитателей поселения, к западу от Элис Спрингс в Центральной Австралии.

Официально поселение открылось в 1960-м, согласно расистской программе ассимиляции либерального правительства Мензиеса. По этой правительственной доктрине аборигены не были готовы жить как белые австралийцы. На практике это означало изгнание, переселение аборигенов с их исконных земель, запрещение их языка. Такая политика предполагала и насильственное отбирание детей у родителей, и распределение их в правительственные или религиозные институты.

Поселение Папуня, объединившее аборигенов из Пинтупи, Вальпири, Аранда, Анматьерре и Лоритья, состояло из стандартной застройки на 400—500 человек. Сначала аборигены жили в постройках из ветвей и палок. Члены группы Анматьерре обитали в хижинах, сделанных из деревьев и железа. Условия существования были настолько ужасными, что 129 человек, 1/6 жителей поселения, умерли от инфекционных заболеваний. Тем не менее число жителей поселения возрастало из-за притока не имеющих заработка рабочих с ферм. К 1970-м в поселении было 1000 человек. Тяжелые условия жизни там описывает в своей книге Джеффри Бардон, молодой преподаватель искусства, приехавший в 1971-м в Папуню, чтобы обучать искусству детей. Он пишет о постоянном унижении европейскими властями некоторых туземных групп, о том, что это было страшное место, где жители пребывали в крайней степени отчаяния.

Правительственные рабочие обитали в отдельных кварталах, огороженных колючей проволокой. А детям аборигенов под страхом смерти запрещалось приближаться к их домам.

До приезда Бардона в Папуню аборигены свои истории «рассказывали» на песке, их художественное творчество ограничивалось применением в церемониальной деятельности для посвященных аборигенов. Они также создавали небольшие артефакты для туристического рынка, основанного церковными миссионерами.

Самым популярным художником был Альберт Наматьира, известный во всей Австралии, лично знавший многих художников-аборигенов, позже создавших в Папуне оригинальную группу. Хотя художники Папуни не приняли стиль Наматьиры, некоторые осознали возможность карьеры профессионального художника.

Оказавшийся в Папуне Бардон заметил, что дети рисуют традиционные рисунки пальцем на песке. На занятиях по искусству с ними он поощрял детей изображать исконные мотивы аборигенов. Сначала дети опасались это делать. Но постепенно Бардон завоевал доверие и уважение взрослых туземцев, разрешивших детям делать рисунки и объяснять их значение. Бардон быстро подружился со взрослыми туземцами и научил их использовать акриловые краски. В июле 1971-го семь аборигенов-учеников расписали внешние стены школы. Фреска называлась «Сладкая мечта о вкусной еде». Вибрирующая, просветленная живопись словно бросала вызов тяжелой атмосфере репрессий и отчаяния, царивших в поселении и вдохновила на занятия искусством других туземцев. Взрослые аборигены вместо реалистических изображений деревьев и птиц, сделанных детьми, начали писать традиционные символы: следы, круги, кривые линии. Бардон поощрял их к творчеству и распределял среди них деревянные доски, холсты и другие материалы для рисования. Вскоре все пожилые люди писали на любой подходящей поверхности, включая фрагменты строительных материалов. Они делали символические изображения, рассказывали про путешествия предков через их земли, создавали абстрактные изображения зеленых насаждений зоны.

Среди разных символов ещё встречается символ в форме V, условное изображение сидящих людей. Возможно, овал изображал деревянные сосуды, который несли женщины, а палки символизировали инструменты, используемые для спасения. Представленное место всегда окружено концентрическими кругами, символизирующими приход аборигенов из воды, жизненно важной для выживания в пустыне.

Почти с самого начала художники Папуни применяли технику пунктуации (или точечную, или пятнистую), сначала для отдельных частей картин, затем для всей композиции. В течение десяти лет техника пунктуации распространилась в другие сообщества. На пике энтузиазма было создано более 600 крупных картин и 300 небольших работ. Картина «Гулгарди» Коана Тьянпитьинпа получила первую премию в Элис Спрингс.

В октябре 1971-го Бардон помог аборигенам создать в Папуне Кооперативную школу искусств, позднее превратившуюся в Ассоциацию художников Папуни Ltd. Кооператив противостоял политике Департамента внутренних дел Северных территорий Австралии, стремившегося осуществлять исключительный контроль над продукцией художников Папуни. Еще в 1956-м Законодательный совет Северных территорий наложил вето на попытку любого частного лица или группы людей приобрести картины у художников- аборигенов. Налагался штраф в 100 евро и 6 месяцев тюремного заключения. Суперинтендант поселения заявил, что «картины были созданы правительством аборигенов», поэтому «принадлежат правительству» и распространял зловредные слухи о Бардоне. В январе 1972-го местные власти обвинили его в «незаконной торговле произведениями» с предписанием уехать из Папуни. Бардон квалифицировал эти действия как расистские угрозы и начал продавать картины за пределами поселения в Элис Спрингс. Позже отношения между художниками и властями нормализовались. Бардон сыграл определяющую роль в стимулировании творчества аборигенов и продвижении произведений, созданных в этом поселении.

Туземные художники из других регионов Австралии

В 1931-м австралийский художник Рекс Баттерби научил художника-аборигена Альберта Наматьиру и других художников-аборигенов в миссии Германсбурга, в Северной территории, западной технике акварельной пейзажной живописи. Так родился популярный стиль «Школа Германсбурга», представители которой продавали свои произведения на выставках в Мельбурне, Аделаиде и других австралийских городах. Наматьира стал первым аборигеном с австралийским гражданством, получивший славу и известность своими акварелями.

А в 1966-м один из рисунков Дэвида Маланги был воспроизведён на одно-долларовой австралийской банкноте без его уведомления. Последующая выплата гонорара ему резервным банком — первый случай подтверждения авторского права аборигена в законодательстве Австралии.

В 1988-м в Национальной галерее Австралии в Канберре был открыт Памятник аборигенам из 200 пустых гробов, подобных тем, которые использовались для погребальных церемоний в Земле Арнхем. Он создан по случаю 200-летия с момента колонизации Австралии и как память об аборигенах, погибших при защите своей земли во время конфликтов с поселенцами. Памятник сотворили 43 художника из Рамингининга и ближайших сообществ. Тропа, проходящая через середину памятника, символизирует реку Глайд.

Ровер Томас — другой хорошо известный художник-абориген. Рожденный на западе Австралии, он представлял страну на Биеннале в Венеции в 1991-м и знал и поощрял к творчеству других ныне известных художников — Кинни Маккензи и оказал сильное влияние на творчество Пэдди Бэдфордс и Фредди Тима.

В конце 1980—1990-х большой популярностью пользовались работы Эмили Кнгваррейе из сообщества Утопия на северо-востоке Элис Спрингс. Хотя она всю жизнь занималась художественным ремеслом, признание как художник она получила лишь в 80 лет, живописанием занималась в последние годы жизни. Каждый год меняла стили, в которых смешивались элементы традиционного искусства аборигенов и современного австралийского искусства. Рост её популярности способствовал известности многих туземных художников из Австралии. Кэтлин Петиярре, Минни Тверле, популярность этих, часто очень пожилых художников, привела к усилению давления на них, ухудшению здоровья. Поэтому некоторые художественные центры в Австралии прекратили продажу их произведений в интернете и стали создавать списки клиентов, ожидающих своей очереди.

Продукция городских центров

Расцвет искусства туземцев в последние 30 лет распространяется не только на творчество туземцев из изолированных сообществ, но и живущих в городских центрах. Они также открыли свою идентичность через искусство и вошли в социальную и культурную сферу, ранее недоступную для них. Стилистически их произведения воспроизводят элементы европейской традиции в сочетании с туземными. И рождается язык, подходящий для социальной и политической проблематики. Продукция художников-аборигенов, вызывающая сегодня всё более возрастающий интерес на Западе, благоприятствовала рождению местной культуры, выполняя роль катализатора и привлекла внимание международной общественности к культуре аборигенов. Ею вдохновлялись и некоторые европейские и американские художники — Ричард Лонг и Ансельм Кифер.

Художники-аборигены. Навурапу Вунунгмурра. Гордон Бэрни. Макинти Маканангка. Джамбава Маравили

Навурапу — представитель клана йолнгу из Гуррумуру, на северо-востоке Земли Арнхем, сын плодовитого туземного художника Янгаррипи Вунунгмурра (1932—2003). Он получил известность своими очень качественными картинами на коре деревьев. В картине «Ганган, Баралтья и Гаррапарра» прослеживается отказ от любой привычной человеку Запада фигуративной традиции. Художник следует старинной традиции искусства аборигенов для изображения трех мест обитания его клана: Ганган, Баралтья и Гаррапарра, связанных с культом воды, столь важной в этом прибрежном регионе, где морская вода, свежая вода и дождевая смешивались в сухой сезон, чтобы продемонстрировать таинственную связь небес, земли и моря. Это три, частично накладывающиеся друг на друга плоскости, чьи характерные географические особенности символизируют плоскости из крестов, эллипсов и кривых линий, имитирующих волны. Это вовсе не статическая карта, а символическое изображение медленного движения свежей речной воды к морю и т. п. На другой картине «Нувуйян» Навурапу изображает рисунки клана его матери Марракулу, описывая события, связанные с мифом Вавалок, тотем Тьярпа и священную речную воду. Навурапу также создает Ларрикитж, туземное название мемориальных столбов. Крупные, декорированные отверстиями деревянные колоды изначально создавались для помещения в них костей умерших, как часть стадии традиционной погребальной церемонии йолнгу. Минитьи, священный клановый рисунок, написанный на этих колодах, уходит корнями в культурную историю, являясь частью традиционного свода законов йолнгу на протяжении тысячелетий. Живописание минитьи — привилегия лишь членов клана, обученных хранителями рисунков. Эти рисунки отражают знания, права земли, песни и сновидения, свидетельствуют об идентичности клана. На Ларрикитж Навурапу часто изображается гарпун, охотник и подчеркивается священное значение места. Его столбы очень красивы и всегда наполнены меланхолией.

Гордон Бэрни родился в 1944-м в Бирно, женился на художнице Ширли Пурди, которая в 1998-м стимулировала его к написанию картин. В ритуальных церемониях он играл роль танцора и выполнял в своём клане обязанности юриста. На картине «Орел и спящая сова» (2003) он дает интерпретацию любопытной сказочной истории про место для разбивки лагеря, произошедшей задолго до существования современного сообщества Вармун. Согласно сказочной истории, орел и сова сидели на противоположных сторонах белой кварцевой скалы. Орел был занят созданием наконечников из твердого кварца и попросил ворону ему помочь, но она отказалась. Он собирался охотиться на кенгуру, но сначала разжег костер на горячих скалах, чтобы приготовить еду из кенгуру. И снова попросил ворону помочь ему, но она опять отказалась. Тогда орел отправился на охоту и вернулся с маленьким толстым кенгуру. Когда он вернулся в лагерь, ворона спала. Разгневанный орел бросил в нее кусок кварца и попал ей в глаз, взял из костра горячий уголь и сжег ворону за то, что она была такой ленивой. Оба персонажа превратились в птиц. Вот почему ворона черная с белыми кругами вокруг глаз. На горе за Варруманом можно всё ещё видеть белый кварцевый лагерь с орлом и вороной.

Макинти Напанангка, одна из ведущих художниц Западной пустыни, работающая с художниками Папуни, спикер клана Пинтуки, родилась в 1930-м в районе озера Макдональд, живет в сообществе Кинтор, начала писать акриловыми красками в 1995-м как член живописного проекта Хаасте Блеф Кинтор под руководством Марины Строкки, художественного координатора. Она быстро нашла свой оригинальный стиль и регулярно занималась живописью в кооперативе художников Папуня. В ее картинах часто рассказываются истории про двух женщин, путешествующих на далекие расстояния по территории Питьянтьеяра, затем на северо-восток через Хаасте Блеф и Папуню. Такие путешествия включают посещения деревенских мест, церемоний, совместных приёмов пищи. И всё это художница изображает в очень условной манере. Она не пишет пятнами, как другие аборигены. Композиция ее картин, как правило, чрезвычайно сложна и состоит из серии светлых линий на оранжевом фоне, которые затем покрываются розово-лиловыми или охристыми пятнами. Линии образуют широкие арки, трансформирующиеся, искривляющиеся и изгибающиеся орнаменты. В свои работы Макинти вводит схемы, орнаменты, отождествляемые с путешествиями двух женщин, их участием в церемониях. Плавающие линейные ритмы напоминают о песнях и танцах на церемониях женщин Пинтупи.

Произведения Макинти поражают живописной свободой и дерзким смешиванием наивных и замысловатых элементов. Она — лауреат престижной премии Телстра 2008-го в сфере национального искусства аборигенов.

Джамбава Маравили (р. в 1953), лауреат крупных премий, художник, скульптор, занимается расписыванием лодок, автор первых шелкографий у австралийских аборигенов. Лидер клана Мадарпа, носитель и защитник духовного благоденствия клана, администратор и посредник между неаборигенами и аборигенами Северо-Восточной Земли, Джамбава является президентом Ассоциации художников-аборигенов Севера, Кимберли и Земли Арнхем. И искусство свое он использует как один из инструментов управления. У него три жены, дети, внуки. А в своих живописных работах он стремится продемонстрировать, что священные орнаменты воплощают его право говорить в качестве представителя своего клана. Его рисунки воспроизводят важные события: похороны, поминовения, праздники, на которых он присутствовал как лидер клана. «Когда я хочу писать картины — говорит Джамбава — я использую свои волосы с головы для кистей, охристые краски моей страны, кору деревьев, чтобы передать своеобразие традиционного искусства аборигенов, всегда сложного и многоаспектного».

Картины художников-аборигенов вовсе не декоративны, представляют хорошо разработанную и продуманную космологию. Но из-за языковых барьеров и нежелания художников раскрыть секреты их священных традиций, как правило, в экспликациях и текстах каталогов даются лишь частичные, убогие и спекулятивные интерпретации. Однако мировосприятие, символика художников-аборигенов так сильно отличаются от художников Запада, что даже самые глубокомысленные объяснения могут мистифицировать. Не-эксперту трудно объяснить многослойное искусство аборигенов, его разнообразие, силу и мудрость. Лучшие образцы такого искусства — дверь для восприятия, видения космоса, его глубин и ключ для экономического и политического развития Австралии. Произведения австралийских аборигенов основываются на эзотеризме и ритуальности в эпоху очевидного кризиса западных ценностей. Они производят сильное впечатление на разные слои публики, привлекая внимание даже антропологов и историков.

По-прежнему произведения искусства художников-аборигенов вызывают восхищение у коллекционеров и любителей. Цены на их продукцию постоянно растут. Но в самой арт-индустрии царит неразбериха. Для искусства австралийских аборигенов наступили мрачные времена. Прошлое десятилетие (1998—2008-е) было золотым периодом для продажи и продвижения туземной культуры. Увеличилось число работающих художников-аборигенов, появилось больше галерей, показывающих такое искусство, коллекционеров, занимающихся поисками новой восходящей звезды. Однако исключительный акцент на потребление и извлечение выгоды для всех игроков арт-рынка наносит серьезный вред художественной продукции и самому существованию людей в сообществе. Успех искусства аборигенов в прошлые годы объяснялся солидными денежными вложениями. Во втором десятилетии ХХ1 столетия в условиях угрожающего спада активности на мировом рынке воцарилось пугающее спокойствие. Галереи, аукционные дома, арт-центры описывают тот же унылый пейзаж. «Рынок тяжело ранен» — говорит Диана Моссенсон из туземной галереи Перт. — «И скоро он получит еще более сильный удар».

В наши дни художники из удаленных сообществ являются основой движения художников-аборигенов. Их стили, количество продукции находятся под влиянием их способности зарабатывать. Многие семьи зависят от того, насколько успешно идут дела у художников. Во многих сообществах именно благодаря искусству их члены имеют хлеб и масло. Есть ли будущее у искусства австралийских аборигенов? Сложно дать ответ на этот вопрос.

Список использованных источников

1.Aboriginal art symbols. www.australiasouvenir.com/pages/Aboriginal-Art-Symbols.html

2.La straordinaria arte degli aborigeni d’Australia ha colpito nel segno/Nove da Firenze. 4.08.2000

3.http://www.aboriginal-art.de/art_eng/kat_gb_html

4.Cotroneo N. From Australia, Today’s Aboriginal Art. www.nytimes.com/2007/10/14/nyregionspecial

5.Creativity feels the crunch. www.aboriginalartnews.com.au/2009/01/creativity

6.Aboriginal art: it’s a complicated thing. www.aboriginalartnews.com/2009/02

7.Congratulations to Doreen Reid Nacamurra. http://www.aboriginalartnews.com.au/2008/08/congratulations-to

8.Indigenous aboriginal art. http://en.wikipedia.org/wiki/Australian_Aboriginal_art

9.Nawurapu Wunungmurra. http://www.isx.org.au/resources/Artworks/1217818770_478.html

10.Gangan, Gapuwiyak Garraparra. http://www.artquid.com/artwork/1573/gangan-

11.Djambawa Marawili. http://www.vivienandersongallery.com/artists/djambawa_marawili

12.Out of the earth — out of this world. http://www.smh.com.au/articles/2003/11/14/1068674330091.html

13.Makinti Napanangka. http://www.japingka.com.au/artist-profiles-.cfm?artistID

14.Makinti Napanangka — Pintupi Artist. http://www.aboriginalartonline.com/art/makinti.php

15.Cultutal Connections: Desert Stories exhibitions. http://www.aboriginalartnews.com.au/2008/09/culturalconnections

16.Fiona Omeenyo. http://www.aboriginalartcentres.com/pages/11.html

17.Biographies of Hope Vale Artists. http://aboriginalartonline.com/art/hopevale.php

18.Quality Aboriginal Art from Australia. http://www.aboriginalartonline.com/index.php

19.Investendo nell’arte aborigena australiana. http://www.articlegarden.com/it/Article/Investing-inAustralian-Aboriginal-Art/18396

20.Contemporary Australian Aboriginal Art. http://www.aboriginalartshop.com/Contemp/contemporary-australian-aboriginal-art

21.Arte aborigena australiana. http://it.encarta.msn.com

22.Susan Allan. Papunia Tula — the birth place of CO. Alest. Abo //World socialist Web Site. wsws.org

23.Johnson K. Painting the Ancient Invisible Dream /New York Times. 1.10.09

24.Arte agli antipodi. Pittura aborigena contemporanea /Artslife. 7.09.09

25.Making it New: Focus on Contemporary Australian Art. http://www.mca.com.au/default.asp?page_id=10&content_id=4808

26.Katleen Petyarre. http://en.wikipedia.org/wiki/Katleen_Petyarre

27.http://it.encarta.msn.com|sidebar_981555056|L’arte_dei_sogni_presso_gli_aborogeni_australiana.html

28.www.wsws.org|tula-a24.shtml

Современное африканское искусство

Что приходит на ум, когда мы думаем об Африке? Что это самый большой, таинственный и малоизученный континент? Часть планеты, пронизанная болью и страданием? Или возникают мысли о людях, чья культурная практика и повседневная жизнь сильно отличаются от того, к чему мы привыкли? И взгляд человека с Запада на современное африканское искусство засорен идеологическими предрассудками колониального прошлого континента, маргинальной экономической ситуацией Африки. Всё это погружает человека с Запада в состояние невежества и презрения, рождая уверенность в превосходстве Запада над Африкой. Разные государства сформировались на африканском континенте. Память о древних культурных цивилизациях сохраняет только северная часть Африки. Остальную часть континента называют «чёрной» Африкой, у которой своя культура, традиции, прошлое, своё понимание красоты, свои сложности. На севере, западе, юге и востоке Африки многие художники работают в крупных городских центрах или регионах, очень изолированных друг от друга. Художники занимаются поисками своей идентичности в борьбе за творческую свободу. Поэтому необходимо отказаться от предубеждений — этнологических, идеологических, расовых — в отношении к современному африканскому искусству, чтобы оценить его по достоинству, на равных с искусством Запада, осмысливая идею современного искусства, не ограничиваясь «африканскостью» (квинтэссенция африканского).

У каждого государства на этом континенте своя культура, традиции, прошлое, племенные обычаи и диалекты, своё понимание красоты, свои сложности. И сегодня здесь всё ещё ощущается превосходство белого человека над черными африканцами. Это земля многочисленных групп, племён с разным происхождением, имеющих свой язык, свои традиции и художественные формы. Характерная особенность их творчества — абстрактная форма изображения.

Большинство белых, имеющих какой-то опыт пребывания на африканском континенте, часто публикуют дневники о своем путешествии. Почему? Да потому, что всё ещё существует бессознательное предубеждение по отношению к Африке, новый вид духовного колониализма. «Я рассказываю про Африку и становлюсь знаменитым». «Я изучаю африканские племена и слава мне обеспечена». «Знаменитый» в данном случае является синонимом «делать деньги». А масс-медия постоянно предлагают нам видение Африки, абсолютно отличающееся от реального ее облика. С одной стороны, здесь находятся места невероятной красоты: саванна с экзотическими животными, которых никогда не увидишь вблизи, пустыни, экваториальные леса, где и в наши дни обитают аборигены. С другой — в СМИ часто появляются образы мужчин, женщин, детей с вздутыми животами, лишенных воды, которые месяцами ничего не едят, страдающих и умирающих от голода, лишённых доступа к образованию, больных спидом и т. п.

При рассматривании таких изображений даже возникает ощущение, что все африканцы больны спидом и обречены на смерть. И возникает желание как-то облегчить их участь. И, разумеется, предлагается множество различных счетов, чтобы подпитать несчастного африканского ребёнка. Несомненно существует совсем иной образ Африки. Возможно, прав исследователь Пен Субирос, утверждающий, что сегодня именно «современное африканское искусство помогает создать новый образ континента. В работах художников-африканцев можно увидеть Африку, сильно отличающуюся от стереотипного образа, навязанного историей, политикой и масс-медиа».

В критических оценках африканского искусства часто прослеживается знаменитая оппозиция между традиционным и современным, актуальным. Современное африканское искусство базируется на многих постулатах так называемого традиционного искусства, что объясняется длительным периодом его существования, его огромным духовным значением. Традиционное искусство особенно сильно подпитывает художников севера и юга континента.

Чтобы дать оценку современному африканскому искусству, необходимо иметь непосредственный контакт с ним, учитывать местный, региональный, национальный контекст, также важный для его прочтения. Что является традиционным в творчестве африканских художников, что имеет отношение к прошлому, что воплощает настоящее? На эти вопросы нелегко ответить.

Как выявить тип искусства, являющийся интегральной и существенной частью африканского континента? Прежде всего это искусство, безусловно изменяющееся, но сохраняющее верность исконным верованиям, традициям, наполненное духовной содержательностью, с помощью которого его создатели стремятся говорить о том, что происходит каждый день. Даже покинув Родину, африканские художники продолжают работать, не изменяя своим принципам, в согласии с диаспорой. Поэтому белые открывают в африканском художнике гения. Хороший художник, живущий и работающий в Африке и Европе, остаётся хорошим художником, даже, если изменяются темы, о которых он рассказывает в своих произведениях, ибо всегда сохраняется его специфическая точка зрения, видение жизни глазами африканца.

В наши дни на юге и севере континента панорама современного искусства предстаёт особенно разнообразной: переосмысленные, полностью обновленные традиции, новые фигуративные тенденции, граффитизм, экспрессионизм, абстракционизм, реконтекстуализация объектов и т. п. Произведения африканских художников демонстрируют гремучую смесь традиций, мифов, верований, тенденций, подхваченных во время международных культурных обменов, соединения элементов прошлого и настоящего, нахождения убежища и в древнем наследии…

Концепция современного африканского искусства

Как культурный феномен, получивший большое распространение, о чем свидетельствует множество журналов, выставок, публикаций и институтов, имеющих свой диапазон отсылок, современное африканское искусство включает различные аспекты и компоненты: от совокупности стилей и национальной художественной продукции творцов, каким-то образом связанных с Африкой, до авторов, полностью исключенных из функционирования на мировой арт-сцене. Чтобы определить общие характерные особенности художественной продукции этого континента, критики и кураторы стремятся ограничить сферу исследования, используя разные категории. Например, фокусирование на событии: Биеннале в Дакаре, в Йоханнесбурге или появление произведений художников африканского происхождения на Биеннале в Венеции или Documentа в Касселе; предложение изучать современное африканское искусство, с точки зрения самого события, ограничивая сферу исследования и позволяя оценить выбор и ориентацию организаторов, приглашенных критиков и художников.

Между 1920-ми и 1960-ми концепция современного африканского искусства начинает обретать конкретную форму. Некоторые художники, рожденные и сформировавшиеся в Африке, выставляются за пределами континента. А в разных странах мира открываются школы, лаборатории, музеи, посвященные африканскому искусству. 1950-е стали основополагающими для теоретизирования об африканской идентичности и ее оценке через искусство. Исключая бесчисленные идеологии, более или менее панафриканистские, дискурс об африканской культуре и искусстве набирает всё большую силу в анти-колониальной среде и получает активную поддержку от рассеянных по всей планете интеллектуалов. Рождаются африканские общества культуры — в 1955-м в Париже, в 1957-м — в США, организуются конгрессы чернокожих писателей и художников: в 1956-м — в Париже, в 1959-м — в Риме.